CINÉMA GREC
Le cinéma en Grèce
Metteur en scène, Producteurs, Acteurs
JULES DASSIN
Le 08/03/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
Jules Dassin
Un Cinéma d’un Grec différent
Jules Dassin s’inscrit parmi les personnages remarquables de l’art du cinéma du 20e siècle, un véritable cosmopolite à trois patries (Etats-Unis, France, Grèce) dont les liens avec la Grèce furent très étroits et profonds pendant des décennies.
Né à Connecticut en 1911, fils d’une famille juive, il est attiré depuis sa jeunesse par le grand écran. Dès les années 1930, il devient partisan actif de la gauche et adhère au Parti Communiste.
C’est pourquoi, après ses débuts cinématographiques à Hollywood dans les années 40, il est placé sur la célèbre "liste noire" des personnalités communistes. Il trouve refuge d’abord à Londres, puis en France, avant de s’installer en Grèce dans les années 1960, suite à son mariage avec la fameuse actrice grecque Melina Mercouri.
Il débute comme metteur en scène au théâtre, passe au cinéma par le biais de court-métrages et apparaît aussi souvent comme acteur dans ses propres films. A Hollywood, il travaille d’abord en commande pour Metro Goldwyn Mayer (MGM) et ensuite il devient très actif au sein de l'Actor's Lab, compagnie de théâtre expérimentale.
Dans les années 1940, il devient l’assistant d’Alfred Hitckok, dont l’influence sur la technique et la direction d’acteur est parfois évidente.
Ses films indépendantsLes Démons de la Liberté et La Cité sans voile révèlent un savoir-faire exceptionnel. Lors de la "chasse aux sorcières", il est exilé à Londres en 1949 où il tourne Les Forbans de la Nuit, un filmunique et remarquable, fantasmagorique et tragique, dont la distribution aux Etats-Unis fut interdite.
Le film pour lequel Dassin sera apprécié comme un maître du « film noir », c’est le thriller Du Rififi chez les hommes, tourné en France en 1954. Il sera honoré du grand prix de la réalisation au festival de Cannes en 1955, où le réalisateur fait la connaissance de Melina Mercouri, la femme qui allait lui changer la vie en l’introduisant aux charmes de la culture et de l’esprit grec.
Il vient en Grèce en 1957 pour réaliser en Crète le film Celui qui doit mourir, basé sur le chef d’œuvre de Nikos Kazantzakis Le Christ recrucifié.
Mercouri est la muse de son plus grand succès commercial, le film Jamais le dimanche, où Dassin interprète le rôle d’un philhellène Américain qui tombe amoureux d’une prostituée au Pirée et tente de l’apporter au droit chemin.
Mercouri gagne le prix de la Meilleure Interprétation féminine, au festival de Cannes en 1960 tandis que la musique sublime de Manos Hatzidakis pour le film, y compris la chanson Les enfants du Pirée, est honorée du prix de l’Académie Cinématographique Américaine (Oscar) pour la meilleure musique de film en 1961.
Par la suite, vient Phaedra en 1962, où Melina Mercouri joue le rôle principal à côté d’Anthony Perkins dans une transposition du mythe grec ancien homonyme dans la Grèce contemporaine, d’après un scenario de Marguerite Limperaki.
Deux ans plus tard, le film Topkapi, un thriller sur le vol d’un diamant, tourné à Istanbul, sera enregistré comme un des œuvres de Dassin les plus remarquables et les plus réussies.
Lors du coup d’état en Grèce, en 1967, Dassin et Mercouri se trouvent à New-York ou ils montent à Broadway la pièce Ilya darling, une adaptation de Jamais le dimanche. Là, ils trouvent l’occasion de lancer une campagne d’information et de résistance contre la dictature des colonels.
Jusqu'à la reconstitution de la démocratie, le couple reste exilé à Paris. De retour en Grèce, Dassin réalise, toujours avec Mélina, des œuvres inspirées du patrimoine intellectuel grec classique aussi bien que de l’histoire récente de la Grèce. The Rehearsal (1974) illustre la révolte des étudiants à Athènes en 1973 contre le régime militaire.
Le Cri des femmes (1978) est inspiré de la tragédie Médée. Aux années 1980, Mercouri poursuit une carrière politique comme Ministre de la Culture et Dassin rentre à la mise en scène au théâtre, en présentant des performances toujours de haute qualité artistique, telles que L'Opéra de quat’ sous, Mort d'un commis voyageur et tant d’autres.
Après la mort de sa femme en 1994, Dassin s’engage à la poursuite de la vision de Mercouri, du retour en Grèce des marbres du Parthénon, exposés au Musée Britannique de Londres. Il meurt en 2008 par les suites d’une grippe, à l’âge de 96 ans.
L’état grec lui avait accordé la nationalité grecque à titre honorifique déjà depuis 1988, en reconnaissance de sa contribution et de son amour pour la Grèce.
COSTA GAVRAS
Le 08/03/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
Costa-Gavras
Costa-Gavras, né en 1933 en Arcadie dans le Péloponnèse, est un réalisateur et producteur du cinéma français. Gavras quitte la Grèce après le lycée pour s’installer à Paris et en 1968, il obtient la nationalité française.
En France, il fait des études en lettres, puis, il intègre l’Institut des Hautes Etudes Cinématographiques. Il travaille, ensuite, en tant que critique de cinéma et auprès de Jean Giono, d’Henri Verneuil, de Jacques Demi et de René Clément, il découvre les plateaux de cinéma.
En 1958, Gavras dirige "Les ratés " un court-métrage et plus tard, en 1965, il débute sa carrière dans les longs-métrages avec "Compartiment tueurs ". En 1969, il triomphe avec "Z ", film qui lui donne la réputation d’un grand cinéaste engagé.
Gavras découvre "Z ", le livre de Vassilis Vassilikos (voir GrèceHebdo no159), après un séjour en Grèce. Le livre, et par la suite le film, esquisse l’histoire de l’assassinat de Grigoris Lambrakis, député de gauche.
Avec Jorge Semprun, Gavras écrit le scénario et le film est tourné par la maison de production de Jacques Perrin. Le film, considéré par les critiques comme le premier grand film politique français, a connu un succès à travers le monde et reçu plusieurs récompenses par l’Académie du Cinéma, les Oscars, le Festival de Cannes etc.
A propos du film, Gavras déclare que " l’assassinat de Lambrakis a été suivi par les Grecs comme une énigme policière, avec ses expertises, ses démentis, ses rebondissements spectaculaires. C’est ainsi que Semprun et moi avons conçu le scénario.
Afin d’universaliser notre cri de colère, de démonter le mécanisme de la répression politique, d’où qu’elle vienne et de le rendre accessible au plus vaste public".
Jacques Perrin, suite à la fin du tournage, arrive en Grèce, ‘’formant un faux couple de touristes avec Michèle Ray, l’épouse de Costa-Gavras’’, dans le but de rencontrer le compositeur Mikis Theodorakis. La police ne les quittant pas des yeux, ils ont pu faire savoir à Theodorakis ce qu’ils désiraient via des intermédiaires.
A son tour, Theodorakis leur a fait ‘’parvenir des bandes magnétiques où il chante lui-même les thèmes proposés". A Paris, c’est Bernard Gérard qui reconstituera tous les thèmes.
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Au début des années 70, vient "L’Aveu " d'après le récit autobiographique d'Arthur London, ancien vice-ministre des Affaires étrangères de Tchécoslovaquie. A l’époque, on lui reproche d'attaquer la droite puis la gauche, alors qu'il ne voulait que dénoncer les totalitarismes. Plus tard, "Etat de siège " prend pour cible la main-mise politique des États-Unis sur certains Etats d'Amérique latine. Reste à la mémoire des spectateurs l’interprétation remarquable d’Yves Montand.
Εn 1982, Gavras tourne "Missing ", un autre film de dénonciation. C'est en effet un producteur hollywoodien qui lui propose de réaliser ce film sur la responsabilité des services secrets américains dans la chute, au Chili, du gouvernement d'Alliance Populaire du Président Allende. "Missing ", qui est très bien accueilli par le public, a reçu la Palme d'Or à Cannes en 1982 et un Oscar pour la meilleure adaptation.
En 2001, dans Amen, un de ses films les plus controversés, Gavras y dénonce le silence du Vatican sur l'extermination des juifs. Par la suite, avec Le Couperet (2005) Gavras s’attaque à l’horreur économique et avec Eden à l’Ouest (2009), il se livre à une narration du sort des exilés.
Son dernier film, Le Capital ne fait pas exception à la règle, Gavras, donc la carrière est marquée par des films dont les sujets sont brûlants s'attaque cette fois au monde de la finance sur fond de crise économique internationale.
Costa-Gavras est nommé Président de la Cinémathèque en 1980 puis, de nouveau, en 2007. Il a été, récemment, nommé docteur honoris causa à l'Université Aristote de Thessalonique.
Le ton du style cinématographique de Gavras nous est dévoilé dès les débuts du Z. "Toute ressemblance avec des événements réels, des personnes mortes ou vivantes n'est pas le fait du hasard. Elle est VOLONTAIRE". De cette façon, Gavras affirme que son cinéma sera une arme qui dénonce.
Il a, depuis, continué à faire ce qu’il avait envie de faire comme il avait envie de faire, fort de la conviction qu’“un film ne livre pas de message, mais pose des questions”, qu’il “ne dit à personne pour qui voter, mais renseigne le spectateur sur ses relations avec les autres et avec la société”.
JOHN CASSAVETES
Le 08/03/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
John Cassavetes
Caractérisé comme le pionnier du cinéma américain indépendant, John Cassavetes (1929-1989), fils d’immigrés grecs, a commencé sa carrière dans les années 1950 en tant qu’acteur du cinéma et de la télévision dans des productions bien accueillies.
Esprit vif, Cassavetes, crée en 1956 un atelier de théâtre où règne la méthode de l’improvisation et deux années plus tard il commence à réaliser son premier film quasi documentaire Shadows.
Le film, considéré comme l'écho de la Nouvelle Vague - qui naît à cette époque en France - est un exercice libre de la part du réalisateur et de ses acteurs. Le film, tourné avec une camera à l’épaule et peu de moyens, raconte l’histoire d’un petit groupe de jeunes noirs et métis confrontés à la discrimination raciale.
Le film ayant comme fond la ville de New York et la musique du jazzman Charles Mingus, est mieux accueilli en Europe, gagnant le prix de la critique au Festival de Venise avant d’être diffusé aux États Unis.
C’est avec ce film, plein de liberté et d’intensité, qu’apparait une nouvelle vague new-yorkaise au cinéma américain en s’appropriant les caractéristiques du “cinéma-vérité”.
Cassavetes, dans les années suivantes, s’efforce de concilier la vision artistique avec la carrière à Hollywood et tant qu’acteur et réalisateur. Sans éviter les rapports difficiles et les conflits, il réalise des films pour de grands studios du cinéma américain, tels que Too Late Blues, traduit en français par La Ballade des sans-espoirs (1961) et Un enfant attend (A Child Is Waiting) (1963), le premier film dans lequel apparaît son épouse, l’actrice Gena Rowlands, aux côtés de Judy Garland et Burt Lancaster.
La relation tourmentée de Cassavetes avec les grands studios de production comprend aussi sa participation en tant qu’acteur dans un nombre de films tels que Rosemary's Baby, de Roman Polanski, les Douze Salopards de Robert Aldrich etc.
Grâce à l’argent qu’il gagne par sa collaboration avec Hollywood, il tourne son deuxième filmFaces en 1968. Écrit d’abord pour le théâtre, Faces, suit la dérive d'un couple d'âge mûr en panne, dans leur aventure extraconjugale. Avec son propre style, Cassavetes libère le jeu d'acteur qu'il place au centre de son dispositif cinématographique et focalise son œuvre sur la classe moyenne américaine.
Le film est sélectionné à la Mostra de Venise dans la catégorie “meilleur film” et “meilleure interprétation masculine”, en revendiquant trois Oscars.
Entouré d’acteurs fidèles à son cinéma (Peter Falk, Ben Gazzara, Seymour Cassel) Cassavetes a aussi réalisé les films Husbands, Minnie et Moskowitz, Opening Night, Torrents d'amour, Meurtre d'un bookmaker chinois, Gloria et Big trouble sans céder aux facilités d’un cinéma idéologique ou sociologique. Les films de Cassavetes parlent des sentiments et des faiblesses de ses protagonistes filmés sans cesse par le réalisateur, souvent jusqu’ à ce que la pellicule arrive à son terme.
John Cassavetes a laissé son empreinte dans l'histoire du cinéma américain influençant également le cinéma européen. Woody Allen, Pedro Almodóvar entre autres, font l’éloge du metteur en scène gréco-américain tout en s’appropriant un certain nombre d’éléments de son œuvre cinématographique.
CONSTANTIN GIANNARIS
Le 08/03/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
Constantin Giannaris
Constantin Giannaris, né en 1959, en Australie, où ses parents grecs avaient immigré, réalise des films qui combinent la noirceur avec la tendresse et la vivacité. Il a grandit à Athènes et a fait des études d’économie, d’histoire et de philosophie en Angleterre, où il a commencé sa carrière, dans les années 1980, en tournant des courts métrages.
Ces premières œuvres ont reçu par la suite des prix importants dans divers festivals internationaux tels que Berlinale, Festival de film de Chicago, Festival de Drama etc.
Dans les années 1990, Giannaris rentre en Grèce et réalise son premier long métrage Trois pas vers le paradis (1995), sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes. Mais le film qui a rendu Giannaris célèbre au public grec, c’est le film Du bout de la ville (1998) - connu également en français sous le titre Garçons d’Athènes – racontant l’histoire des Pontiques, des immigrés d’origine grecque venus des pays de l’Ex-URSS qui ont été mal accueillis par la société et traités comme des citoyens de deuxième classe.
Le film a reçu le premier prix de mise en scène au festival de Thessalonique ainsi que le prix des critiques pour son regard vif et pénétrant.
En 2001, il réalise le film Un Jour d’Août qui raconte l’histoire d’un jeune voleur qui découvre les secrets des personnes qu’il cambriole. L’histoire se passe le quinze août, le jour où de nombreux Grecs font un pèlerinage à la Vierge-Marie, en attendant un petit miracle. Giannaris, à travers un récit parallèle, pénètre dans les pensées secrètes des protagonistes et nous révèle les petits et grands miracles survenus dans leur vie.
Le film a remporté le prix des critiques au festival de Thessalonique, le prix de scenario au festival Troia et a participé en compétition officielle au festival de Berlin.
Son film suivant, l’Otage (2005) est inspiré d’une attaque d’un bus dans le nord de la Grèce par un jeune émigré albanais qui a gardé des passagers en otage, avec une fin tragique. Dans ce film Giannaris joue vraiment avec le feu dans son effort d’associer la fiction et la réalité en imaginant tout ce qui est arrivé dans le bus. Le film a également remporté des prix en Grèce et à l’étranger.
Son dernier film, Homme à la mer (2011), raconte l’histoire d’un capitaine de navire grec qui recueille des enfants iraniens, réfugiés, errants en mer sur un petit bateau.
Bien que Giannaris raconte dans ses films la vie et les problèmes des immigrants, il ne souhaite pas être caractérisé comme le metteur en scène marginal de l’immigration. Il décrit tout simplement les changements de la société grecque n’étant plus considérée comme le paradis de la petite bourgeoisie se trouvant devant une nouvelle réalité plus dure et violente.
Bien que Giannaris raconte dans ses films la vie et les problèmes des immigrants, il ne souhaite pas être caractérisé comme le metteur en scène marginal de l’immigration. Il décrit tout simplement les changements de la société grecque n’étant plus considérée comme le paradis de la petite bourgeoisie se trouvant devant une nouvelle réalité plus dure et violente.
Le réalisateur se dit influencé par la vision politique du genre du documentaire ainsi que l’esthétisme. Il est également préoccupé par la situation actuelle politique et économique difficile faisant des projets pour son prochain film.
ELIA KAZAN
Le 03/02/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
Elia KAZAN
Mais son vrai nom Ilias Kazantzoglou témoigne d’un passé grec qui remonte aux dernières années de l’Empire Ottoman. Ilias est né à Konstantinople en 1909. Arrivé à l'âge de quatre ans aux Etats-Unis, Kazan fait ses études à New York, où son père est venu monter une affaire de vente de tapis. Ilias ne se dissocie jamais de son passé. Preuve en est son film America/America tourné en 1963.
Au début du film, la voix off d'Elia Kazan informe les spectateurs que l'histoire du film est celle de sa famille : "Mon nom est Élie Kazan, je suis Turc par la naissance, Grec par les origines, et Américain parce que mon oncle a fait un voyage".
Ici, Stavros un grec cappadocien qui vit en Anatolie à la fin du XIXième siècle entame le long et dangereux périple jusqu’à Constantinople dans l’espoir d’embarquer sur un bateau à destination de New York. Chronique de l’aventure de la migration, le film est célèbre tant pour l’ intérprétation de Stathis Gialelis que pour la musique raffinée du grand compositeur grec Manos Hatzidakis.
Pour le reste et sans méconnaitre son œuvre théâtrale en tant que metteur en scène où il s’ attache aux antipodes du style brechtien à la méthode Stanislavski, Kazan avec son œuvre cinématographique embrasse l'histoire de la société moderne, du racisme à la guerre du Viêt Nam, en passant par l'immigration et la crise de 1929.
En 1945, il signe son premier long métrage, Le Lys de Brooklyn, dès cette première œuvre, il montre un talent de direction d'acteurs, fruit de ses expériences théâtrales, et un intérêt pour les sujets d'inspiration sociale.
Deux ans plus tard, il tourneBoomerang, l'histoire d'une erreur judiciaire et Le mur invisible qui traite de l'antisémitisme, ce film remporte de nombreux Oscars. Elia Kazan s'affirme avec Panique dans la rue (1950), film noir où des gangsters propagent la peste dans une ville de La Nouvelle-Orléans, l'année suivante, il délaisse les problèmes sociaux et adapte à l'écran une pièce de Tennessee Williams qu'il avait mise en scène au théâtre en 1947, Un tramway nommé Désir, et il confie à Marlon Brando le rôle qu'il a joué sur scène.
Page noire dans sa biographie, son rôle à l’époque du maccarthysme lorsqu’ il avoue son ancienne appartenance au Parti Communiste et dénonce certains de ses amis dont Arthur Muller et Jules Dassin.
Il tente de se justifier dans ses films suivants, l'écrivain John Steinbeck écrit le scénario de Viva Zapata ! (1952), réflexion sur le pouvoir corrupteur. Avec A l'est d'Eden(1954), Kazan revisite le thème d'Abel et Caïn à travers le parcours d'un jeune rebelle. Un homme dans la foule (1957) dresse un état des lieux du monde du spectacle et de la politique.
Il meurt en 2003 ayant reçu un grand nombre de prix et de distinctions de toute sorte.
GIORGOS LANTHIMOS
Le 03/02/2013 | Dans CINÉMA GREC | Commentaires (0)
Yiorgos Lanthimos
Giorgos Lanthimos, réalisateur grec prometteur appartenant à la nouvelle génération, est né à Athènes en 1973. Après des études à l’école de cinéma de Stavrakos à Athènes, il a réalisé au cours des années ‘90, des pièces théâtrales sans pour autant méconnaitre le domaine des publicités et des vidéos faits pour des compagnies grecques de danse et de théâtre.
Son premier film Kinetta (2005) se déroule dans un hôtel grec à Kinetta (ville balnéaire près de la capitale), et mêle les rapports difficiles entre une femme de chambre, un policier, et un photographe. D’après le metteur en scène, le film se focalise sur les côtés psychologiques des caractères et aux particularités de leur comportement.
Mais c’est Canine (2009) qui est à l’origine de la réputation du jeune metteur en scène. Ce film controversé, a remporté, entre autres, le ‘’Prix Un Certain Regard’’ au Festival de Cannes.
Film nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger en 2012, Caninemet en scène l’histoire d’un couple qui, pendant des années, garde ses enfants à l’écart du monde, isolés et n'ayant aucun contact avec le monde extérieur.
Selon des critiques, Lanthimos filme l’histoire, calmement, presque somptueusement, satirisant avec un humour à froid les valeurs patriarcales d'une société que la jeunesse de son pays, par une curieuse coïncidence, aura entrepris au même moment de manifester dans la rue.
Selon Libération, ‘’Lanthimos possède cette qualité indiscutable d’amener du sang neuf dans le cinéma grec. Sarcastique, déstabilisant, avec un côté glaçant, il livre une chronique martiale de son pays’’.
Par la suite, Lanthimos a réalisé Alps (2011), qui doit son titre à une sorte de confrérie éponyme, à laquelle appartiennent quatre personnages. Le personnel de cette confrérie, embauchée par des personnes en deuil, remplace les personnes mortes pour offrir de la consolation à leurs familles.
En 2011, Alps a gagné le Prix Osella pour le meilleur scénario, au Festival de Vénice. Ceci offre une plongée insolite voir illimitée au cœur de la mort. Dans un entretien accordé au journal belge Le Soir, Lanthimos précise que son film se situe aux antipodes de Canine., on est ici face à une jeune femme qui cherche à faire intrusion dans une famille au moment ou à Canine, on cherchait à en sortir à tout prix. "Alps" fonctionne comme une belle métaphore sur le métier d’acteur mais aussi sur une société contemporaine aux rapports humains de plus en plus numériques, une société où, au lieu de vivre sa vie, on la joue de façon artificielle...
Son nouveau film s’appelle L’homard. Il s’agit d’une ville où les couples entrent en relation, à condition qu'ils aient au moins une caractéristique en commun, sinon, ils se transforment en un animal de leur choix.
Le style de Lanthimos tient à un cocktail. Comme lui-même a déclaré ‘’J’aime mélanger comédie, drame, violence. Les choses profondes et les choses humoristiques. C’est ce qui crée sans doute le ton de mes films. Parfois, nous avions des choses drôles sur papier et qui, une fois tournées, prenaient un caractère sérieux. Ou l’inverse.’’
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